Woody Guthrie

Woody Guthrie

Nombre real Woodrow Wilson Guthrie

Nacimiento 14 de julio de 1912

Origen Okemah, Oklahoma, Estados Unidos

Muerte 3 de octubre de 1967

Ocupación(es) cantautor

información artística

Género(s) folk

country Instrumento(s) guitarra

Período de actividad 1931 – 1967

Woodrow Wilson Guthrie (Okemah, Oklahoma, 14 de julio de 1912 – Nueva York, 3 de octubre de 1967), conocido como Woody Guthrie, fue un prolífico e influyente músico folk estadounidense, conocido por su identificación con la gente común, los pobres y los oprimidos, así como por su odio al fascismo y la explotación. Es universalmente conocido por su canción «This Land Is Your Land».

A los 19 años, dejó su hogar para instalarse en Texas, donde conoció y se casó con Mary Jennigs, con la que tendría tres hijos, Gwen, Sue y Bill. Por entonces hizo su primer intento -que no prosperó- de dedicarse a la música, formando junto con Matt Jennings y Cluster Baker The Corn Cob Trio.

Se vio obligado, a causa del Dust Bowl,

literalmente "Cuenca de Polvo") fue uno de los peores desastres ecológicos del siglo XX. La sequía afectó a las llanuras y praderas que se extienden desde el Golfo de México hasta Canadá. La sequía se prolongó al menos entre 1932 y 1939, y fue precedida por un largo periodo de precipitaciones por encima de la media. El efecto "dust bowl" fue provocado por condiciones persistentes de sequía, favorecidas por años de prácticas de manejo del suelo que dejaron al mismo susceptible a la acción de las fuerzas del viento. El suelo, despojado de humedad, era levantado por el viento en grandes nubes de polvo y arena tan espesas que escondían el sol. Estos días recibían la denominación de "ventiscas negras" o "viento negro". El Dust Bowl multiplicó los efectos de la Gran Depresión en la región y provocó el mayor desplazamiento de población habido en un corto espacio de tiempo en la historia de Estados Unidos. Tres millones de habitantes dejaron sus granjas durante la década de 1930, y más de medio millón emigró a otros estados, especialmente hacia el oeste

Debio abandonar a su familia en Texas y marchar a California, junto con numerosos granjeros y desempleados del Medio Oeste, genéricamente conocidos como "okies" (de Oklahoma), aunque procedían también de otros estados, como Kansas, Tennessee, Georgia y el mismo Texas. Hambriento y sin dinero, viajó hasta California, siendo testigo de la terrible pobreza de sus compatriotas. La huella de estos viajes se encuentra en muchas de sus canciones, como "I Ain't Got No Home", "Goin' Down the Road Feelin' Bad", "Talking Dust Bowl Blues", "Tom Joad" o "Hard Travelin'"

En 1937 se hizo famoso en Los Ángeles, junto con Maxine tocando en la radio música hillbilly y folk. Trabajando para la emisora KFVD, propiedad de un dirigente del ala izquierda del Partido Demócrata, Guthrie empezó a componer e interpretar canciones-protesta. Durante esos años (1939-1949) escribió a diario una columna de opinión para el periódico del Partido Comunista, People’s Daily World, acerca de la problemática de los inmigrantes del Medio Oeste en California. Militó también durante algunos años en el sindicato Industrial Workers of the World.

En 1939 se trasladó a Nueva York, donde se integró en el ambiente político izquierdista. Por entonces hizo sus primeras grabaciones de importancia: varias horas de conversación y canciones, que fueron grabadas por el folclorista Alan Lomax para la Biblioteca del Congreso, y un álbum, Dust Bowl Ballads, para la compañía RCA Victor, en Camden, Nueva Jersey. Empezó a escribir una narración semiautobigráfica sobre sus experiencias en los años del Dust Bowl, Bound for Glory, que se publicaría en 1943.

En 1940, Guthrie escribió la más famosa de sus composiciones, la canción "This Land Is Your Land", inspirada en sus experiencias viajando por todos los Estados Unidos, y elaborada como una respuesta a la canción «God Bless America», de Irving Berlin, que Guthrie consideraba demasiado complaciente y poco realista (estaba harto de escuchársela cantar en la radio a Kate Smith). La melodía está basada en la de una canción gospel, "When the World's on Fire", que The Carter Family popularizó hacia 1930.

This Land Is Your Land

Esta tierra es tu tierra Esta tierra es mi tierra

Desde California hasta la isla de Nueva York;

Del bosque de madera roja a las aguas del Golfo de Stream

Esta tierra fue hecha para ti y para mí.

Mientras caminaba por la cinta de la carretera,

Vi encima de mí que Skyway era interminable:

Vi debajo de mí ese valle de oro:

Esta tierra fue hecha para ti y para mí.

Largo tiempo he recorrido y divagaba siguiendo mis pasos

Por las brillantes arenas de los desiertos de diamante;

Y a mi alrededor una voz sonaba:

Esta tierra fue hecha para ti y para mí.

Cuando salió el sol y brillaba, yo estaba paseando,

Y los campos de trigo y el polvo agitandose en nubes,

A medida que la niebla se levantaba una voz cantaba:

Esta tierra fue hecha para ti y para mí.

Mientras iba caminando, vi un NO

Y en el cartel que dice "Prohibido el paso".

Pero en el otro lado no decía nada,

Ese lado fue hecho para ti y para mí.

A la sombra del campanario vi a mi pueblo,

En la oficina de socorro he visto a mi pueblo;

Mientras estaban allí con hambre, yo estaba allí pidiendo

¿Está esta tierra hecha para ti y para mí?

Nadie me puede detener,

Como voy caminando por esa carretera libre;

Nadie me puede hacer volver atrás

Esta tierra fue hecha para ti y para mí.

En mayo de 1941, Guthrie recibió el encargo del departamento de interior de escribir canciones acerca del río Columbia y la construcción de las presas federales. Son conocidas sus canciones "Roll On, Columbia" y "Grand Coulee Dam". Por esa misma época, conoció a Pete Seeger y se unió al grupo Almanac Singers, con el que realizó giras por todo el territorio de Estados Unidos. Se trasladó a vivir a la cooperativa Almanac House, en Greenwich Village.

Aunque anteriormente habían cantado canciones pacifistas, Guthrie y los Almanac Singers, en sintonía con la causa comunista (aunque Guhrie no llegó nunca a ingresar en el partido), adoptaron un beligerante antifascismo. Es famosa la frase que Guthrie escribió en su guitarra: "This Machine Kills Fascists" ("Esta máquina mata fascistas"). El músico se enroló en la marina, en la que sirvió junto al también cantante folk Cisco Houston, y después en el ejército. En 1944 conoció a Moses "Moe" Asch, de Folkways Records, para quien grabó por vez primera "This Land Is Your Land", y muchos otros temas en los años siguientes.

En 1942 conoció a Marjorie Mazia, con la que contrajo matrimonio en 1945, mientras se encontraba de permiso. Se instalaron en una casa en Mermaid Avenue, en Coney Island, y tuvieron cuatro hijos —incluyendo a Cathy, que murió a los cuatro años en un incendio, lo que causó a Woody una fuerte depresión. Su hijo Arlo sería también un famoso cantautor. En esta época, Woody escribió Songs to Grow on for Mother and Child, una colección de canciones infantiles, en la que se incluye el tema "Goodnight Little Arlo (Goodnight Little Darlin')", escrito cuando Arlo tenía sólo nueve años.

Por esta época, Guthrie escribió algunas canciones emblemáticas. El accidente de un avión que en 1948 se estrelló transportando a 28 campesinos mexicanos que iban a ser deportados, le inspiró el poema "Hard Travelin(Plane Wreck At Los Gatos)". Una década más tarde, Martin Hoffmann le puso música; entre los más conocidos intérpretes de esta canción se cuentan Pete Seeger, Bob Dylan, The Byrds, Dolly Parton y Arlo Guthrie. Otra canción de esta época, "Pastures of Plenty", se hace también eco de los sufrimientos de los trabajadores inmigrantes A finales de la década de 1940, la salud de Guthrie empeoró. Mostraba una conducta errática. Abandonó a su familia y viajó a California con Ramblin' Jack Elliott. Allí contrajo un tercer matrimonio y tuvo otro hijo, antes de regresar finalmente a Nueva York. Se le diagnosticó inicialmente alcoholismo y esquizofrenia, pero se terminó descubriendo que padecía la enfermedad de Huntington, que había causado la muerte de su madre. Estuvo ingresado en el Greystone Park Psychiatric Hospital de 1956 a 1961, y, posteriormente, en la Creedmoor Mental Institution en Queens, donde falleció el 3 de octubre de 1967. Cuando murió, su obra había sido redescubierta por una nueva generación de músicos folk. Bob Dylan, quien lo visitó en los últimos años de su vida y dijo de él que era "su último héroe", escribió un homenaje de cinco páginas a Guthrie, Last Thoughts on Woody Guthrie, y le dedicó "Song to Woody", una de las canciones de su primer álbum, titulado simplemente Bob Dylan. Phil Ochs incluyó en su disco de debut, All the News That's Fit to Sing, la canción "Bound for Glory", que era tanto un homenaje a Woody como una crítica a la actitud de los que preferían olvidar el radicalismo socialista del cantautor.

Con destino a la gloria (Bound for Glory). Barcelona, Producciones Editoriales, 1977. Única novela escrita por Woody Guthrie. De contenido autobiográfico, relata su vida desde 1912 hasta 1942.

Filmografía

El restaurante de Alicia (Alice's Restaurant, 1969), de Arthur Penn. Película protagonizada por Arlo Guthrie, en la cual se puede ver a Woody Guthrie, convaleciente en el hospital, poco tiempo antes de fallecer.

Con destino a la gloria (Bound for Glory, 1976). Películas basada en la autobiografía de Guthrie, dirigida por Hal Ashby y protagonizada por David Carradine.

Woody Guthrie: Ain´t Got No Home, 2006, documental.

Las canciones de Woody Guthrie se pueden escuchar en varias películas y documentales, entre otros, You Can´t Be Neutral on a Moving Train (2004), documental de Howard Zinn , el autor de la obra imprescindible La otra historia de los Estados Unidos (Editorial Siglo XXI, 1999, traducción de Toni Strubel).

La canción "Car Song" fue usada en los comerciales de TV para promocionar el Audi Q5 (2009)

http://www.youtube.com/watch?v=dkAxuqrVNBM&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=XaI5IRuS2aE&feature=related

SISIFO O EL HOMBRE REBELDE

SISIFO

.En la mitología griega, Sísifo fue fundador y rey de Éfira (nombre antiguo de Corinto). Era hijo de Eolo y Enarete y marido de Mérope. De acuerdo con algunas fuentes (posteriores), fue el padre de Odiseo con Anticlea, antes de que ésta se casase con su último marido, Laertes.

Fue el padre, con Mérope, del dios marino Glauco. Se decía que había fundado los Juegos Ístmicos en honor a Melicertes, cuyo cuerpo había encontrado tendido en la playa del istmo de Corinto.

Fue promotor de la navegación y el comercio, pero también avaro y mentiroso. Recurrió a medios ilícitos, entre los que se contaba el asesinato de viajeros y caminantes, para incrementar su riqueza. Desde los tiempos de Homero, Sísifo tuvo fama de ser el más astuto de los hombres. Cuando Tánatos fue a buscarle, Sísifo le puso grilletes, por lo que nadie murió hasta que Ares vino, liberó a Tánatos, y puso a Sísifo bajo su custodia.

Pero Sísifo aún no había agotado todos sus recursos: antes de morir le dijo a su esposa que cuando él se marchase no ofreciera el sacrificio habitual a los muertos, así que en el infierno se quejó de que su esposa no estaba cumpliendo con sus deberes, y convenció a Hades para que le permitiese volver al mundo superior y así disuadirla. Pero cuando estuvo de nuevo en Corinto, rehusó volver de forma alguna al inframundo, hasta que allí fue devuelto a la fuerza por Hermes.

En el infierno Sísifo fue obligado a empujar una piedra enorme cuesta arriba por una ladera empinada, pero antes de que alcanzase la cima de la colina la piedra siempre rodaba hacia abajo, y Sísifo tenía que empezar de nuevo desde el principio (Odisea, xi. 593). El motivo de este castigo no es mencionado por Homero, y resulta oscuro (algunos sugieren que es un castigo irónico de parte de Minos: Sísifo no quería morir y nunca morirá pero a cambio de un alto precio y no descansará en paz hasta pagarlo). Según algunos, había revelado los designios de los dioses a los mortales. De acuerdo con otros, se debió a su hábito de atacar y asesinar viajeros. También se dice aun después de viejo y ciego seguiría con su castigo. Este asunto fue un tópico frecuente en los escritores antiguos, y fue representado por el pintor Polignoto en sus frescos de Lesche en Delfos (Pausanias x. 31).

De acuerdo con la teoría solar, Sísifo es el disco del sol que sale cada mañana y después se hunde bajo el horizonte. Otros ven en él una personificación de las olas subiendo hasta cierta altura y entonces cayendo bruscamente, o del traicionero mar. Welcker ha sugerido que la leyenda es un símbolo de la vana lucha del hombre por alcanzar la sabiduría. S. Reinach (Revue archéologique, 1904) sitúa el origen de la historia en una pintura, en la que Sísifo era representado subiendo una enorme piedra por el Acrocorinto, símbolo del trabajo y el talento involucrado en la construcción del Sisypheum. Cuando se hizo una distinción entre la almas del infierno, se supuso que Sísifo estaba empujando perpetuamente la piedra cuesta arriba como castigo por alguna ofensa cometida en la Tierra, y se inventaron varias razones para explicarla.
Su desprecio de los dioses, su odio a la muerte y su apasionamiento por la vida le valieron ese suplicio indecible en el que todo el ser dedica a no acabar nada.

Sísifo, proletario de los dioses, impotente y rebelde conoce toda la magnitud de su condición miserable: en ella piensa durante su descenso. La clarividencia que debía constituir su tormento consuma al mismo tiempo su victoria. No hay destino que no venza con el desprecio. ¿En qué consistiría su castigo si a cada paso le sostuviera la esperanza de conseguir su propósito?. El obrero actual trabaja durante todos los días de su vida en las mismas tareas y ese destino no es menos absurdo.

Un ensayo filosófico de Albert Camus, originalmente publicado en francés en 1942 como Le Mythe de Sisyphe. El ensayo se abre con la siguiente cita de Píndaro:

El título del ensayo proviene de un atribulado personaje de la mitología griega. En él, Camus discute la cuestión del suicidio y el valor de la vida, presentando el mito de Sísifo como metáfora del esfuerzo inútil e incesante del hombre moderno, que consume su vida en fábricas y oficinas sórdidas y deshumanizadas.

De esta forma planea la filosofía del absurdo, que mantiene que nuestras vidas son insignificantes y no tienen más valor que el de lo que creamos. Siendo el mundo tan fútil, Camus pregunta, ¿qué alternativa hay al suicidio? El ensayo se inicia: No hay sino un problema filosófico realmente serio: el suicidio.

Sísifo, dentro de la mitología griega, como Prometeo, hizo enfadar a los dioses por su extraordinaria astucia. Como castigo, fue condenado a perder la vista y empujar perpetuamente un peñasco gigante montaña arriba hasta la cima, sólo para que volviese a caer rodando hasta el valle, y así indefinidamente

Camus desarrolla la idea del "hombre absurdo", o con una "sensibilidad absurda". Es aquél que se muestra perpetuamente consciente de la completa inutilidad de su vida. Ésta, afirma, es la única alternativa aceptable al injustificable salto de fe que constituye la base de todas las religiones (e incluso del existencialismo, que por tanto Camus no aceptaba completamente).

Aprovechándose de numerosas fuentes filosóficas y literarias, y particularmente de Dostoievski, Camus describe el progreso histórico de la conciencia del absurdo y concluye que Sísifo es el héroe absurdo definitivo.

En su ensayo, Camus afirma que Sísifo experimenta la libertad durante un breve instante, cuando ha terminado de empujar el peñasco y aún no tiene que comenzar de nuevo abajo. En ese punto, Camus sentía que Sísifo, a pesar de ser ciego, sabía que las vistas del paisaje estaban ahí y debía haberlo encontrado edificante: "Uno debe imaginar feliz a Sísifo", declara, por lo que aparentemente lo salva de su destino suicida.

La obra se cierra con un apéndice sobre la obra de Franz Kafka, interpretada finalmente de manera similar, en términos de un esteticismo, a su modo, esperanzador

El hombre absurdo dice que sí y su esfuerzo no terminará nunca. Si hay un destino personal, no hay un destino superior, o, por lo menos no hay más que uno al que juzga fatal y despreciable. Por lo demás, sabe que es dueño de sus días. En ese instante sutil en que el hombre vuelve sobre su vida, como Sísifo vuelve hacia su roca, en ese ligero giro, contempla esa serie de actos desvinculados que se convierten en su destino, creado por el, unido bajo la mirada de su memoria y pronto sellado por su muerte. Así, persuadido del origen enteramente humano de todo lo que es humano, ciego que desea ver y que sabe que la noche no tiene fin, está siempre en marcha. La roca sigue rodando.

Pero Sísifo enseña la fidelidad superior que niega a los dioses y levanta las rocas. Él también juzga que todo está bien. Este universo en adelante sin amo no le parece estéril ni fútil. Cada uno de los granos de esta piedra, cada trozo mineral de esta montaña llena de oscuridad forma por sí solo un mundo. El esfuerzo mismo para llegar a las cimas basta para llenar un corazón de hombre.

Hay que imaginarse a Sísifo dichoso.

Carlos Castaneda

Nacimiento 25 de diciembre de 1925 o 193

Cajarmaca, Perú o Juqueri, Brasil

Defunción 27 de abril de 1998 (62 - 72 años)

Los Ángeles, Estados Unidos, 27 de abril de 1998

Ocupación Escritor y Antropólogo

Nacionalidad Peruano

Período Siglo XX

Género Antropología

fue un antropólogo y escritor, autor de una serie de libros que describirían su entrenamiento en un tipo particular de chamanismo tradicional mesoamericano, al cual él se refería como una forma muy antigua y olvidada. Dichos libros, y el propio Castaneda, quien en escasas ocasiones hablaba en público acerca de su obra, han sido controvertidos por muchos años.

Sus partidarios afirman que sus libros son veraces en su contenido, o que al menos constituyen obras de valor literario y antropológico. Sus críticos señalan por contra que sus libros son una farsa, trabajos de ficción, y que no son empíricamente verificables como obras de antropología al contrario de lo que el autor afirmaba.

Dicho antropólogo y escritor aseguraba haberse convertido en un chamán tolteca tras un intenso entrenamiento de modificación de la conciencia y su percepción, que incluyan el uso ritual de enteógenos.

Sus libros, mezcla de autobiografía, chamanismo, alucinógenos, rituales toltecas y misticismo, han tenido un tremendo éxito de ventas, tanto que hoy día son traducidos en los más variados idiomas del mundo.

Su trabajo se ha iniciado con la psicodelia y la contracultura de fines de los años 60 y 70.

Según lo declarado por él mismo, nació el 25 de diciembre de 1935 en Juqueri, Sao Paulo, Brasil. Su padre, César Miguel Torres, habría sido un orfebre-relojero. En 1948, la familia se traslada a Lima, donde Carlos se gradúa en el Colegio Nacional Guadalupe. Sostuvo que lo enviaron a un internado en Buenos Aires, Argentina y más tarde a San Francisco, Estados Unidos, a la edad de 15 años. Allá viviría con su familia adoptiva hasta graduarse en la Hollywood High School.

En 1951 emigraría a Los Ángeles, California, donde cursaría estudios de antropología en la universidad UCLA. En 1968 obtiene el doctorado y su tesis, publicada por la misma universidad, que se convertirá en su primer libro (se tituló en ese entonces: 'En la escuela del brujo'), dicho libro será lo que lo volverá famoso.

A principios de los años sesenta, cercano a finalizar sus estudios de antropología en la Universidad de California, viajó al desierto de Sonora, México, para recopilar información sobre los usos medicinales de ciertas plantas psicotrópicas o alucinógenas entre las etnias indígenas.

Según sus libros, en la estación de autobuses de la Greyhound de un pueblo norteamericano fronterizo con México, mediante un antropólogo conocido de Carlos, conoció a un indio yaqui, a quien en sus libros se refiere con el seudónimo Don Juan Matus, que en menos de un año, y luego de frecuentes visitas por parte de Carlos, lo tomó como aprendiz. Don Juan, según Castaneda, era el líder de un grupo de brujos, el último de una larga tradición que se remontaba a los indios toltecas, que le enseñó los usos del peyote como psicotrópico (entre otros), teniendo así una sucesión de experiencias que incluyen columnas de luz cantarina, animales y otros seres que serían manifestaciones de poderes que un hombre sabio podría aprender a utilizar. Estos, entre otros, conocimientos propios del legado cultural

En 1968 publica su primer libro Las enseñanzas de Don Juan, con el cual obtiene el "master" y en 1973 se le concede el doctorado por su tercer libro Viaje a Ixtlan.

Una realidad aparte (A Separate Reality, 1971).

Viaje a Ixtlán (Journey to Ixtlan, 1973): con él obtuvo su doctorado.

Relatos de poder (Tales Of Power, 1975).
Es en los dos primeros libros donde Castaneda centra su atención en el uso del peyote llamado mezcalito, y que era considerado un protector al igual que la presencia de aliados en una clase de datura y el uso de hongos de la clase psilocybe que don Juan utilizaba, como medio para obtener lo que Carlos Castaneda llamó "estados de conciencia acrecentada".

A partir del tercero, "Viaje a Ixtlán", replantea por completo el contenido de los libros para centrarse en alcanzar "otras realidades" sin el uso de ninguna clase de drogas. En el cuarto, "Relatos de Poder", se cuenta el "abandono del mundo" (muerte o transición a otro mundo) por parte de Don Juan, lo que dejaría a Castaneda como su heredero o "Nagual", libre de adoptar sus propios discípulos.

Las obras de Castaneda, todas escritas en inglés pese a que él hablaba perfectamente castellano (de hecho, corregía personalmente las traducciones al español), son un recuento de la cosmología que Don Juan Matus le inculcó. Escritas en primera persona, se han convertido en clásicos de la literatura espiritual y la Nueva Era.

Experiencias con Don Juan, hasta su muerte

Las enseñanzas de Don Juan (The Teachings of Don Juan: A Yaqui Way of Knowledge, 1968, que además fue su tesis).

Etapa mística

El segundo anillo de poder (The Second Ring Of Power, 1977).

El don del águila (The Eagle's Gift', 1981)

El fuego interno (The Fire From Within, 1984)

El conocimiento silencioso (The Power Of Silence, 1987)

El arte de ensoñar (The Art Of Dreaming, 1993)

El silencio interno (Silent Knowlegde, 1996): también conocido como "El Libro Púrpura", y que sólo fue vendido en los workshops de Tensegridad.

El lado activo del infinito (The Active Side of Infinity, 1998)

Pases mágicos (Magical Passes, 1999)

La rueda del tiempo (The Wheel of Time, 2000)

En 1993, Castaneda anunció los pases mágicos, culminación de las artes hechiceras toltecas, que habrían sido transmitidas de maestro a aprendiz durante generaciones. A esto le llamó Tensegridad (contracción de "tensión" e "integridad") tomando prestado el término de un concepto de diseño estructural del arquitecto e ingeniero norteamericano Richard Buckminster Fuller, y fundó la organización Cleargreen para difundirla, haciendo numerosas apariciones en sus actos. Esto fue una ruptura con respecto a su etapa anterior de aislamiento, y sorprendió a muchos, por no haber mencionado los pases mágicos en sus libros anteriores. Más sorprendente resulta el hecho de que no se hayan encontrado evidencias de este tipo de movimientos entre los indios mesoamericanos.

La Tensegridad consiste en una serie de movimientos que tienen mucha relación con estilos de Kung Fu, que Castaneda pudo haber aprendido de dos fuentes, de un maestro de artes marciales llamado Howard Lee, o gracias a una de sus últimas alumnas, Florinda Donner

No existe ninguna evidencia de que Don Juan haya existido siquiera. Castaneda no permitió a los antropólogos (ni siquiera a sus ex-compañeros de la Universidad de California) acceder a sus notas de campo, y tampoco existen fotos o grabaciones. Todo esto resultaría extraño en una verdadera investigación antropológica, cosa que por otro lado no es, ni ha pretendido ser, la obra de Castaneda, pero ha hecho sospechar a muchos que podría tratarse de una mera invención.

Por otro lado debe considerarse que no existe evidencia en ninguna universidad de que se haya presentado el libro original, Las enseñanzas de Don Juan, ya sea en la UCLA o ninguna otra Universidad, y el mencionar a Castaneda como antropólogo es parte de la leyenda.

Otra consideración distingue las profundas diferencias que existen entre los cuatro primeros libros (hasta Relatos de Poder, incluido) y el resto. Mientras en los primeros se percibe cierta evolución tanto en el enfoque como en los contenidos, el resto de libros se pueden considerar meros productos comerciales sin ningún viso de autenticidad.

Lo mismo se puede decir de la tensegridad. Mientras en los primeros libros Don Juan apenas hace algunas referencias aisladas a la postura de las manos, un modo especial de mirar bizqueando y una peculiar manera de desplazarse llamada marcha de poder

Muchas personas que conocieron personalmente a Castaneda, como Alejandro Jodorowsky, no han revelado una imagen ciertamente positiva de él, mostrándolo básicamente como un advenedizo.

Esta confusión no acaba aquí. En ocasiones contaba en persona, a un público numeroso formado por seguidores, experiencias que habían tenido lugar con Don Juan en determinado lugar y determinada fecha. Como las anécdotas de Castaneda suelen estar fechadas en sus libros con mucha precisión y sus seguidores por lo general conocen su obra casi a la perfección, era habitual que estos preguntaran entonces cómo era posible aquello, ya que según determinado libro, en esas fechas estaba en otro lugar haciendo otra cosa.

Castaneda invariablemente respondía que en ese momento, como brujo que es, estaba en dos o más lugares simultáneamente. Este tipo de contradicciones no dejaron de calar entre sus seguidores, que llamaron a estas explicaciones "disonancias cognitivas", no tanto de modo crítico como denotativo.

En cierto modo la autenticidad del personaje de don Juan y de las peripecias relatadas en los libros pasa a ser una cuestión secundaria si se considera exclusivamente el valor literario de la obra de Castaneda. Son libros muy bien escritos, entretenidos y repletos de enseñanzas y reflexiones que pueden considerarse válidas.

Hay que recordar que, según Castaneda, un guerrero no cree en nada y no da nada por cierto, por lo que es posible que en verdad sus relatos sean ficticios y tengan el único propósito de transmitir estas enseñanzas, que a fin de cuentas, es el mismo lector el que las evalúa y decide adoptar o no.

Parte del problema que presenta el material de los libros, es la calidad y estilo variables entre uno y otro, aunque hay eventos que hacen pensar que las fuentes son otras. Por ejemplo, el primer libro "Las enseñanzas de don Juan" usa la metáfora "camino con corazón", pero el término y el contexto son casi idénticos a lo escrito por el Samurai Miyamoto Musashi en el libro de los cinco anillos, donde literalmente se habla de camino del guerrero y que debe llevarse hasta el final

Hay comentarios sobre casos de plagio en el libro Shabono de Florinda Donner-Grau, sobre reproducción textual de pasajes enteros de terceras personas, y Taisha Abelar usa conceptos que no son verificables y a la vez sesgados, siendo uno de ellos el consejo de respirar por la vagina.

Muerte

La versión difundida, es que falleció al parecer el 27 de abril de 1998 por un cáncer al hígado, en su casa del barrio de Westwood de Los Ángeles, pero su muerte tardó dos meses en hacerse pública. Parece que fue exactamente el hijo, en su afán de búsqueda que dio a mover las situaciones hasta que se supo la verdad.

Según sus seguidores, al contrario, por lo menos los ligados a su asociación oficial "Cleargreen", habría "alcanzado sin embargo la tercera Atención", o sea que no habría muerto de una manera ordinaria, realizando así en pleno sus enseñanzas y las de su maestro.

Sin embargo, hay muchas "fallas" en ese recuento y demasiadas incoherencias, según algunos, que dejarían pensar lo contrario: que no habría alcanzado la Libertad (o, libertad total) que promulgaba en sus libros y habría tenido una muerte normal

* * * La escritora Amy Wallace, hija del escritor Irving Wallace, publica un libro en el que habla de su estrecha relación con Carlos Castaneda. En el libro lo describe como alguien voluble que tiraniza a sus acólitas, (todas mujeres), por simple capricho, y que además tiene relaciones sexuales con todas ellas. (Carlos estaba vasectomizado).

Su círculo más íntimo, estaba formado por Florinda Donner, Patty Partin y Taisha Abelar, entre otras. En declaraciones posteriores, Amy Wallace dice estar convencida de que estas tres mujeres, junto con Talia Bey y Kilie Lundhal, de Cleargreen, pactaron un suicidio colectivo después de su muerte No se sabe nada de ellas desde 1998. En 2003 se hicieron pruebas de ADN a unos restos humanos encontrados en Death Valley. Según la policía pertenecían a Patty Partin, también conocida como Nury Alexander o el explorador azul.

El Monterey International Pop Music Festival

El Monterey International Pop Music Festival

El Monterey International Pop Music Festival se llevó a cabo del 16 de junio a 18 de junio de 1967. Más de 200.000 personas asistieron, y es a menudo considerado como el precursor de Woodstock. El LSD fue muy abundante en el evento bajo el nombre de "Purple Monterey"

Los artistas de rock del momento eran Los Beatles —que acaban de editar el monumental Sgt. Pepper—, los Rolling Stones, Cream, The Beach Boys y Bob Dylan. Por distintas razones ninguno de ellos pudo presentarse, pero no significó un escollo para el éxito del evento.

San Francisco fue el epicentro de la "contra-cultura». Los jóvenes viajaron allí a vivir un estilo de vida alternativo destinado a aumentar la libertad personal, viviendo en armonía colectiva. Esta transformación de los ideales y la vida se exploró a través de psicodelia de luz, arte, música y drogas, como marihuana y LSD. The Monterey Pop Festival se incorporó al estilo de vida de San Francisco y la contra-cultura y es generalmente considerado como uno de los inicios de la "Summer of Love" en 1967.

Los artistas tocaron de forma gratuita y la totalidad de los ingresos fue donado a caridad, con la excepción de Ravi Shankar, a quien se le pagó $ 3000 por su larga estadía en el desempeño de presentar a los músicos. Más de 200.000 personas asistieron al festival. Reservar un lugar costaba US $ 6,50 por cada noche depresentación, mientras que la entrada al campo adyacente tenía un costo de $ 1,00. El festival se considera en general (junto con el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en circulación dos semanas antes) como el vértice de la "Verano del Amor."

El festival se convirtió en legendario por ser una de las primeras grandes apariciones de Jimi Hendrix (que fue reservado por la insistencia de los miembros de los consejos de Paul McCartney) y la OMS. También fue la primera gran interpretación o ejecución pública de Janis Joplin, quien apareció como un miembro de Big Brother and The Holding Company, y Otis Redding, con el respaldo de Booker T. & The MG's. Redding moriría sólo unos meses más tarde.

Hendrix, inspirado por Pete Townsend rompió su guitarra y terminó su presentación en Monterey rendido de rodillas frente a ella vertiendo líquido de encendedor y pendiendole fuego.

Muchos ejecutivos de empresas de registro estuvieron presentes (el pago de $ 150 cada uno de sus asientos en una zona especial justo debajo de la etapa), y varios de los artistas intérpretes o ejecutantes ganó grabación contratos sobre la base de su aparición en el festival. Columbia Records firmó Big Brother y The Holding Company, Jerry Wexler y utiliza el festival para promover la carrera de Otis Redding.

Al músico Donovan le fue negado un visado para entrar en los Estados Unidos a causa de un abuso de drogas 1966. Captain Beefheart y The Magic Band fue también invitado a presentarse pero de acuerdo a el guitarrista Ry Cooder, quien consideró que el grupo no estaba preparado . Aunque los Rolling Stones no tocaron, su fundador y guitarrista Brian Jones apareció en el escenario para presentar a Hendrix. Jones era conocido como "rey de la fiesta". De acuerdo con Eric Clapton, Cream (la banda) no se presento debido a que el director de la banda quería hacer una salpicadura más grande de América por su debut. Dionne Warwick y las impresiones fueron anunciados por algunos de los primeros carteles para el evento, pero Warwick abandonado debido a un conflicto en el que la reserva de fin de semana: era reservado en el Hotel Fairmont y se pensó que si se cancela el aspecto que sería negativa afectar su carrera. Ella considera sneaking off entre conjuntos para actuar en el festival, pero en última instancia decidió en contra de ella. The Kinks fueron invitados, pero no pudo obtener una visa de trabajo para entrar en los EE.UU. debido a una disputa con la Federación Americana de Músicos.

Eric Burdon y The Animals ese mismo año cantaron una canción sobre el festival titulado "Monterey", que cita una línea de los Byrds canción "Renaissance Fair" ( "Creo que tal vez yo estoy Dreamin '"). En la canción, Burdon Monterey menciona los artistas intérpretes o ejecutantes El Byrds, Jefferson Airplane, Ravi Shankar, Jimi Hendrix, The Who, Hugh Masekela, The Grateful Dead, y The Rolling Stones' Brian Jones ( "Su Majestad el Príncipe sonrió como Jones se trasladó entre la multitud "). Jones no realizó. Los instrumentos utilizados en la canción imitar los estilos de estos artistas intérpretes o ejecutantes.

Una serie de otros artistas, entre ellos el cantante de blues Lou Rawls, la cantautora Laura Nyro, y el sudafricano trompetista de jazz Hugh Masekela. Muchos grupos de rock hicieron apariciones y entre ellas la Asociación, Buffalo Springfield, Country Joe and The Fish, Moby Grape, y Quicksilver Messenger Service. Blues-rock bandas estaban bien representados, entre ellos Canned Heat, The Paul Butterfield Blues Band, The Steve Miller Band, y The Blues Project. El Mamas y los Papas, quien ayudó a organizar el evento (lo que les impide realizar cualquier ensayo), fueron el acto de clausura del festival. Paul is dead, miss him, miss him.

Jimi Hendrix

El festival de Monterey se convirtió en leyenda también porque fue una de las primeras grandes apariciones de Jimi Hendrix en Estados Unidos (fue incluido en el cartel por la insistencia de los miembros de los consejos de Paul McCartney) Aunque apenas era conocido en Estados Unidos, pese a haber tocado en varios grupos en los años 60, en apenas treinta minutos puso al público en pie. Hendrix utilizó todas sus armas para ello, tocando acordes con los dientes, con la guitarra sobre su espalda, y al final de la actuación ofreció su guitarra en ritual, la prendió fuego en pleno escenario, la rompió y arrojó sus restos a la multitud. Era la primera vez que en Estados Unidos se veía un espectáculo así. Fue uno de esos momentos que cambiarían el mundo del rock para siempre.

. Empezó con toda la potencia del blues Killing floor y siguió con Like a Rolling Stone de Dylan, Foxey Lady, Purple Haze y el memorable final de Wild Thing. Tocó con los dientes, por detrás de la espalda con una precisión y un virtuosismo nunca visto hasta entonces. "La guitarra se volvió una extensión de su cuerpo", contó luego el actor Dennis Hooper, testigo de aquella noche mágica, en la que el rock cambió para siempre.

The Who


Aunque se trataba de una gran grupo proveniente del Reino Unido, querian ser ellos quienes cerraran con broche de oro; Monterrey fue el concierto que propulsó a The Who hacia el público estadounidenses. La banda de The Who y Jimi Hendrix eran los dos ultimos en salir y por lo tanto ninguno queria ser el primero en salir, asi que todo se decidio ala suerte en un volado en el cual gano The Who. Estuvieron en desacuerdo en un principio pero fue lo mejor haci ellos podrian desempeñarse como ellos quisieran y Hendrix tendria que buscar otra forma de cerrar y no con la misma destruccion de intrumentos, The Who toco como nunca y dejo atonitos a todos lo ´presentes acostumbrados a muy poca agresividad.

Ravi Shankar

Ravi Shankar fue otro artista que se presentó en Estados Unidos en el festival de Monterey. El pulso de aceleración 18 minutos de Raga Bhimpalasi, un extracto de Shankar's de cuatro horas en el rendimiento de 1967 Monterey Pop Festival, se quemaron en las mentes de una nueva generación de fans de la música.

Janis
Joplin

Monterey Pop fue también una de las primeras grandes actuaciones públicas de Janis Joplin, y su grupo Big Brother and The Holding Company. Janis Joplin hizo una provocativa versión de la canción Ball and Chain. "Me convertí en un partidario del feminismo viendo a Janis Joplin en el Festival de Monterrey", dice John McCleary, autor de El Diccionario Hippie. "Mucha gente tiene experiencias similares mirando modelos de mujeres con ese tipo de poder, sin miedo de expresarse sexualmente al mismo tiempo que exigen sus derechos."

Otis Redding

Monterey fue la primera vez en que el cantante de soul Otis Redding se presentó ante una audiencia predominantemente blanca en su país natal. Su electrizante actuación fue destacada en la película y desde entonces se ha convertido en legendaria. La actuación de Redding incluyó la versión de Respect (que se convirtió en éxito internacional cuando fue interpretado por Aretha Franklin). A pesar de que el festival hizo que se fijara la atención sobre Otis, sería una de sus últimas grandes actuaciones. Murió 6 meses más tarde en un accidente de aviación a la edad de 26 años. Sin embargo, Redding se convirtió en el primer artista que anotó un póstumo número uno con su hit (Sittin 'On) The dock of the bay

Monterey fue el primero ampliamente promovido festival de rock en el mundo (el primer festival de rock fue la Feria Fantasy & Magic Mountain Music Festival en la cumbre del monte Tamalpais en el condado Marin de junio 2-3) y se convirtió en el modelo para las futuras fiestas, sobre todo Woodstock -- Aunque a diferencia de Woodstock no fue un ánimo de lucro de empresas, y Monterey las diversas filmaciones y grabaciones sonoras sigue para obtener ingresos sin fines de lucro Fundación Festival de Monterey.

El festival fue objeto de una aclamada película documental titulada Monterey Pop de DA Pennebaker. Se ha publicado el DVD de la Colección de Criterio. Además, muchos álbumes han sido puestos en libertad de espectáculos de la fiesta. Lo más notable son los conjuntos con la de Otis Redding y Jimi Hendrix, The Grateful Dead, Jefferson Airplane, y Ravi Shankar. En 1997, cuatro CD box set fue puesto en libertad con la actuación de la mayoría de los artistas.

El festival fue un triunfo de la organización y la cooperación, el establecimiento de una norma posterior que son pocos los festivales han acompañado siempre, y es doblemente notable habida cuenta de que nada es bastante, como nunca se había montado antes.

http://www.youtube.com/watch?v=jhBFRNBxT_o

Cocksucker Blues,,,

Cocksucker Blues

Al fín ha llegado el documental prohibido por los Rolling Stones, Cocksucker Blues. Seguramente, muchos habrán escuchado la historia de éste documental,

Allá por el año 1972 los Rolling Stones lanzaban a la venta el disco Exile On Main St. y la gira de promoción del álbum fué documentada por el director Robert Frank Plasmó en una película la vida de excesos de los Stones, de una manera bastante cruda para la época por ello los Stones pensaron que si esa película era vista en América, nunca más los dejarían entrar allí, por ello decidieron mantenerla en las sombras, ésta película se filtró en los años 80s y llegó al DVD

En 1969, una persona fue acuchillado mientras los Rolling Stones tocaban "Simpathy for the Devil" en el decadente Altamont Free Concert.Despues de no haber participado en Woodstock, a pesar de haber sido invitados, los Stones se propusieron hacer su propio festival, pero el resultado fue un lio total: un homicidio, dos muertos por accidentes, cientos de casos de sobredosis y violencia entre los hippies y la pandilla de motociclistas Hell Angels, contratados como personal de seguridad. Así pues la imagen de la banda había quedado dañada en los Estados Unidos. Las autoridades que nunca gustaron del rock and roll ni mucho menos de los movimientos pélvicos de Mick Jagger, los tenían en la mira y harían todo lo posible para impedir el ingreso de estos ingleses indeseables si volvían a pasarse de la raya.
En 1972, emprenderían una muy publicitada gira por Estados Unidos con el álbum “Exile in Main Street”, hoy para muchos su última obra maestra. Los Stones estaban en la cima de la popularidad, con The Beatles fuera de combate, comenzaron a ser llamados “la banda de rock más grande del mundo”, ya sólo les faltaba desprenderse de la fama de “chicos malos” que les enrostraban cada vez que ocurrían desmanes en sus conciertos.

Sin embargo, tal vez ingenuamente llamaron a Robert Frank para hacer el documental de la gira.

Robert Frank nació en una acomodada familia judía de Suiza que se mantuvo a salvo de la persecución nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Se inició como aprendiz de un fotógrafo vecino de su edificio y a los 23 años emigró a Estados Unidos disgustado con la vida materialista que le ofrecía su familia. En 1948, viviendo como fotógrafo de modas en New York, se desanima del Sueño Americano al comprobar que sólo se trataba de competer por el dinero. Decide entonces seguir viajar y llega a los andes peruanos donde fotografía caminos polvorientos y campesinos en movimiento.

Regresa a Estados Unidos y hace malas juntas con Jack Kerouac y Allen Ginsberg de ese grupúsculo de escritores beatnik que gustaban aguarle la fiesta a la América de los 50´s, devota de la prosperidad. Frank comienza a recorrer Estados Unidos para retratar las tensiones raciales y de clase que contradecían ese optimismo. Su lente se desvía de las técnicas de fotografías aceptadas en su época, prefiere la penumbra, el desenfoque, la velocidad. Resultado de esta experiencia fue su libro más importante “The Americans” (1958) que muestra un Estados Unidos desolado y borroso.

En complicidad con su amigos Kerouac y Ginsberg se inicia en el cine con “Pull my Daisy” (1959) y haría otras películas con el mainstream, hasta que conoce a los Rolling Stones para quienes fotografía lo que sería portada de “Exile on Main Street”. Después Robert Frank sería invitado a unirse al séquito de artistas, entre los que estaba también un alcohólico Truman Capote, con acceso total para documentar la gira. La discreta cámara de Frank en The Rolling Stones American Tour 1972 se deslizaría entre camerinos, cuartos de hotel, aviones y escenarios. El resultado sería “Cocksucker blues”, su película más conocida y sin embargo la única que hasta hoy no se estrena oficialmente.

Cocksucker blues" ("El blues del chupapenes") es el título de una canción censurada, aquella que Jagger compuso en plan de joda y sólo por cumplir. El contrato de la banda con la disquera Decca se saldó con un tema sobre un homosexual que busca sexo en Londres, contada en los términos más directos. La elección de este título ya nos anticipa que Frank eligió el camino menos amigable: mostrar a la banda y sus acompañantes con una franqueza obscena.

“Cocksucker blues” es una muestra de lo que podía pasar cada vez que los Stones se montaban en la ruta. Los vemos en muchas situaciones que la mayoría de veces suceden lejos del escenario. La banda, el personal de la gira, los ejecutivos, los músicos de apoyo y, por supuesto, las groupies, se mezclan y conviven por semanas. Todo está permitido y el tiempo pasa demasiado lento, "Cocksucker blues" está hecha en parte de los ratos-de-terrible-aburrimiento que toda gira debe tener. Aquellos momentos en los que se mata el tiempo bebiendo, jugando a las cartas, drogándose o teniendo sexo en público con las fans más complacientes.

De tiempo en tiempo arriban a una ciudad, Jagger y Richards se maquillan, una rayita de coca y suben al escenario. "Cocksucker blues" registra presentaciones tanto deplorables, como Jagger cantando "Brown Sugar" en el peor estado de su voz, como soberbias como la versión de "Midnight Rambler" con Jagger en dominio de la armónica. En estos momentos la cámara de Frank baja al nivel del público, maravillada como todos de una banda brillante. Sigue bajando, espera afuera y cuando todo ha terminado conversa con el público, con los que no lograron entrar, con los revendedores. Y sigue descendiendo hasta toparse con los fans más marginales, aquellos que perdieron todo por el rock and roll y las drogas.

Nuevamente en el avión, los Stones y su gente toman unos instrumentos y arman una fiesta con toda la intención de terminarla en orgía. Alguien levanta a una chica y comienza a quitarle la ropa, mientras ella se resiste entre carcajadas. Corte. El caos ya terminó: una muchacha se levanta del suelo con una mancha de semen en la espalda. El sexo es uno de los temas principales. En una de las primeras imágenes del film vemos a Jagger tocándose las bolas (por debajo del pantalón). Hay otras escenas de este tipo, pero no es nada de qué extrañarse y el sexo tampoco se libra de cierto tufo a tedio.

La otra gran pasión del personal son las drogas, y aquí vemos a Jagger y Richards fumando, aspirando o inyectándose en colectivo o como solistas. "Cocksucker blues" desmitifica a la estrella de rock, muestra lo que todos quieren ven, lo que incluso ya sospechaban, pero que nadie imaginaba tuviera tanto de soledad y aburrimiento. Los Stones son soldados que matan las horas hasta que son llamados nuevamente al frente. El brillo de las estrellas a veces es opaco.

Al ver el trabajo terminado, Jagger le dijo a Frank: "Hiciste un excelente película pero si dejamos que se presente en América, nunca más nos dejarán entrar". Entonces emprendieron una demanda para tomar control del documental y, desde luego, Frank perdió. Sin embargo, el “salomónico” veredicto permitía que "Cocksucker blues" se proyecte cinco veces al año siempre y cuando el director esté presente en la sala.

No se sabe si Frank sacó provecho de esto y decidió convertirse en un cineasta viajero con los rollos de su película bajo el brazo. Lo que sí es seguro es que inmediatamente los fanáticos tomaron nota y corrieron rumores que "Cocksucker blues" era el mejor documental sobre rock and roll alguna vez filmado (y casi nunca visto). La película circuló por años en el mercado negro de Estados Unidos a través de copias en video. Ahora está disponible a todos pues algún anónimo la puso en libertad en Internet (tal vez fue el mismo Frank, quien sabe

Seguramente "Cocksucker blues" será algún día estrenada por todo lo alto. Aunque para la leyenda de esta película subterránea ya poca importa volverse oficial. Además los Rolling Stones son ahora unos ancianos indestructibles con nada que perder, pues vencieron a todos, inclusive a ellos mismos.

Letra de la cancion The Rolling Stones

Cocksucker Blues

Bueno, yo soy un estudiante solitario

y acabo de llegar a la ciudad

Sí, soy un estudiante solitario

y acabo de llegar a la ciudad

Bueno, he oído mucho sobre Londres

Me decidí a probarlo

Bueno, espero en Leicester Square

con una mirada insinuante en el ojo

Sí, estoy apoyado en la columna de Nelson

pero todo lo que hago es hablar

Oh ¿dónde puedo obtener una polla para chupar?

¿Dónde puedo clavar mi culo jodido?

Pueden pero no tienen dinero,

pero sé dónde ponerlo cada vez que me lo dan

Bueno, le pregunté a un joven policía

si sólo me encierra por la noche

Bueno, he tenido los cerdos de la granja,

algunos de ellos, algunos de ellos, están bien

Bueno, él me cogió con su porra

y su casco era demasiado apretado

Oh ¿dónde puedo obtener mi polla chupar?

¿Dónde puedo clavar mi culo jodido?

, No tengo nada de dinero,

pero sé dónde ponerlo cada vez que me lo dan

Soy un estudiante solitario....